MansAmo, WOMANAKWA

Cette exposition marque la première présentation du duo artistique MansAmo, formé par Mansara et Amaury Voslion. À travers le projet WOMANAKWA, ils invitent à explorer un univers où des divinités oubliées de l’inconscient collectif cherchent à renaître. Portées par l’eau, élément central et matriciel, ces présences invisibles prennent forme dans des œuvres mêlant photographie sous-marine, costumes et poésie.

Nourri par le parcours personnel de Mansara et le regard sensible d’Amaury, le projet interroge la relation entre corps, mémoire et transformation. WOMANAKWA symbolise la fusion du féminin et du masculin, ainsi que le pouvoir de métamorphose contenu dans l’eau. Le duo imagine une divinité contemporaine, née d’un monde en perte de repères spirituels. Leur travail révèle des forces invisibles en quête d’incarnation dans notre réalité.

À travers une esthétique immersive, ils convoquent émotions et archétypes universels. Les œuvres deviennent ainsi un espace de passage entre visible et invisible. Cette exposition propose enfin une expérience sensible où l’émerveillement redevient possible.

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Inuits et Sámis, Partie II

En septembre dernier, à l’occasion du Parcours des Mondes, la Galerie Vallois présentait pour la première fois une importante sélection d’objets consacrés aux cultures du Grand Nord. Devant l’accueil réservé à cette présentation et l’ampleur de la collection – dont beaucoup d’objets restaient encore à montrer – l’idée d’un deuxième volet s’est imposée. La galerie propose ainsi aujourd’hui un second ensemble d’objets inédits, offrant une nouvelle plongée dans l’univers des Inuits et des Sámis.

Regroupant près d’une centaine de pièces traditionnelles, couvrant une période allant d’environ 200 ans avant notre ère jusqu’au XX? siècle, cette sélection confirme la permanence des pratiques, des croyances et de l’inventivité propre à ces sociétés.

L'EXPOSITION EST PROLONGÉE JUSQU'AU 31 JANVIER 2026.

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CERAMIC BRUSSELS

STAND A13

ARTISTES PRÉSENTÉS : 

Paloma CHANG - Lee HOFFMAN (1942 - 2014) - Antonio SEGUÍ (1934 - 2022)

Réunir Paloma Chang, Lee Hoffman et Antonio Seguí à Ceramic Brussels, c’est faire dialoguer trois visions du monde qui, bien que nées sur des continents différents et portées par des histoires singulières, convergent autour d’une même conviction : la céramique est un terrain d’exploration où se rejoignent la mémoire, l’expérience du réel et la quête de sens.

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Manufacture Marcadet

La Manufacture Marcadet, ancienne fabrique de céramique à Paris, est réinvestie par un collectif d’artistes conceptuels connus pour leurs installations et constructions où la problématique de l’art contemporain est cachée sous l’apparence de la production artisanale, de l’architecture vernaculaire ou d'objets du quotidien. À Paris, ils poursuivent une logique de cohérence entre formes, époque et lieu, ce qui les mène à explorer l’Art de la table. Ils créent le service de céramique Le service de table du chat échaudé (assiettes, plats, couverts en faïence) et le service à thé Le Fumiste, ainsi qu’un surtout de table composé de colombes. Leur style, inspiré du rococo et de l’Art nouveau, privilégie les lignes organiques, les allusions animales et une sensualité parfois inquiétante. Les pièces semblent s’animer lorsqu’elles sont garnies de nourriture, rappelant la dimension vivante de l’Art de la table, souvent perdue dans les musées.

Le collectif critique la séparation sacralisée entre art et usage, renforcée par l’histoire du « grand art » et par les codes muséaux. Ils refusent ces oppositions (beaux-arts / arts appliqués, sacré / profane) et revendiquent un art réintégré au quotidien. En se faisant céramistes amateurs, ils privilégient improvisation et formes libres, produisant des objets plus portés par une vision culturelle que par une technique parfaite. Leur esthétique historiciste évoque sans imiter le rococo et l’Art nouveau, reflétant une époque saturée de références au passé, de récits déformés et de tensions politiques. Leur vaisselle, envahie d’ornements proliférants, exprime moins une continuité avec la tradition qu’une modernité anxieuse, opposée au vide et à la simplicité.

Andreï Erofeev, Commissaire d’exposition

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Corinne Sanmarcelli, Une poule sur un mur...

L’univers de Corinne Sanmarcelli est empreint de rêverie et de nostalgie, le réel se mêlant à l’imaginaire. Ses œuvres, poétiques et baroques, évoquent un monde suspendu peuplé d’objets animés, de créatures mythiques et de maisons en mouvement, à la fois familiers et fantastiques.

Inspirée par les contes et les lectures d’enfance, l’artiste marie rigueur et sensualité, minimalisme et ornement, créant un univers à la fois merveilleux et inquiet. Derrière l’humour et la fantaisie, se devine une mélancolie subtile, celle du vide et du souvenir.

Par ses sculptures et objets du quotidien, Sanmarcelli célèbre le pouvoir transformateur de l’art, capable de révéler la poésie cachée du monde ordinaire et d’entretenir notre capacité d’émerveillement.

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Anatoly Osmolovsky, Bonbons toxiques

L'exposition est prolongée jusqu'au 18 novembre.

Anatoly Osmolovsky transpose la fonction de « témoin de notre temps », habituellement réservée aux images, vers les objets. L’exposition réunit cinq séries d’art-objets créées à différentes époques : moulages en bronze polis comme des miroirs, chemises cartonnées des années 1930, énigmatiques pages blanches, bustes en bronze noircis de Marx, Lénine, Mao ou Staline, et une installation monumentale : un mur de tranches de pain noir en relief, spécialement conçues pour ce projet.

Ordonnés avec rigueur, ces objets révèlent le contraste entre un emballage séduisant et un contenu empoisonné. Osmolovsky y exprime les tensions spirituelles et politiques contemporaines : du démocratisme post-communiste hypocrite au virage radical actuel, dominé non par l’humanisme, mais par le culte du chef, de la force et des « valeurs traditionnelles » instrumentalisées par de nouveaux régimes répressifs.

Anatoly Osmolovsky a participé à la Documenta 12, ainsi qu’à la Biennale de Venise en 1993 et en 2003. Les pièces exposées relèvent de son œuvre des années 2010–2020.

Un catalogue bilingue anglais-français est publié à l’occasion de l’exposition.

Commissaire de l’exposition : Andrei Erofeev

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