Prince Toffa, Agidi - La colère de la mer

Pour sa première exposition monographique à la Galerie Vallois, Prince Toffa plonge le visiteur dans un univers d’une inventivité saisissante, à la croisée de la mode, de la sculpture et de l’installation. Ancien styliste devenu plasticien, l’artiste béninois développe un langage singulier fondé sur l’upcycling, transformant des déchets du quotidien en œuvres spectaculaires. Canettes métalliques découpées, bouteilles en plastique, mégots ou encore objets abandonnés deviennent la matière première de costumes majestueux, de tentures chatoyantes et de sculptures monumentales.

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A-Sun Wu, Impressions d'Océanie

Figure singulière de la scène contemporaine, l’artiste taïwanais A-Sun Wu développe une œuvre nourrie par une enfance au contact de la nature et par de nombreux voyages, dans un dialogue étroit avec les cultures traditionnelles. Son travail, aujourd’hui reconnu en Asie comme en Occident, relève pleinement d’une démarche expressionniste, caractérisée par une puissante intensité formelle, des lignes anguleuses et une palette contrastée.

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MansAmo, WOMANAKWA

Cette exposition marque la première présentation du duo artistique MansAmo, formé par Mansara et Amaury Voslion. À travers le projet WOMANAKWA, ils invitent à explorer un univers où des divinités oubliées de l’inconscient collectif cherchent à renaître. Portées par l’eau, élément central et matriciel, ces présences invisibles prennent forme dans des œuvres mêlant photographie sous-marine, costumes et poésie.

Nourri par le parcours personnel de Mansara et le regard sensible d’Amaury, le projet interroge la relation entre corps, mémoire et transformation. WOMANAKWA symbolise la fusion du féminin et du masculin, ainsi que le pouvoir de métamorphose contenu dans l’eau. Le duo imagine une divinité contemporaine, née d’un monde en perte de repères spirituels. Leur travail révèle des forces invisibles en quête d’incarnation dans notre réalité.

À travers une esthétique immersive, ils convoquent émotions et archétypes universels. Les œuvres deviennent ainsi un espace de passage entre visible et invisible. Cette exposition propose enfin une expérience sensible où l’émerveillement redevient possible.

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Inuits et Sámis, Partie II

En septembre dernier, à l’occasion du Parcours des Mondes, la Galerie Vallois présentait pour la première fois une importante sélection d’objets consacrés aux cultures du Grand Nord. Devant l’accueil réservé à cette présentation et l’ampleur de la collection – dont beaucoup d’objets restaient encore à montrer – l’idée d’un deuxième volet s’est imposée. La galerie propose ainsi aujourd’hui un second ensemble d’objets inédits, offrant une nouvelle plongée dans l’univers des Inuits et des Sámis.

Regroupant près d’une centaine de pièces traditionnelles, couvrant une période allant d’environ 200 ans avant notre ère jusqu’au XX? siècle, cette sélection confirme la permanence des pratiques, des croyances et de l’inventivité propre à ces sociétés.

L'EXPOSITION EST PROLONGÉE JUSQU'AU 31 JANVIER 2026.

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CERAMIC BRUSSELS

STAND A13

ARTISTES PRÉSENTÉS : 

Paloma CHANG - Lee HOFFMAN (1942 - 2014) - Antonio SEGUÍ (1934 - 2022)

Réunir Paloma Chang, Lee Hoffman et Antonio Seguí à Ceramic Brussels, c’est faire dialoguer trois visions du monde qui, bien que nées sur des continents différents et portées par des histoires singulières, convergent autour d’une même conviction : la céramique est un terrain d’exploration où se rejoignent la mémoire, l’expérience du réel et la quête de sens.

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Manufacture Marcadet

La Manufacture Marcadet, ancienne fabrique de céramique à Paris, est réinvestie par un collectif d’artistes conceptuels connus pour leurs installations et constructions où la problématique de l’art contemporain est cachée sous l’apparence de la production artisanale, de l’architecture vernaculaire ou d'objets du quotidien. À Paris, ils poursuivent une logique de cohérence entre formes, époque et lieu, ce qui les mène à explorer l’Art de la table. Ils créent le service de céramique Le service de table du chat échaudé (assiettes, plats, couverts en faïence) et le service à thé Le Fumiste, ainsi qu’un surtout de table composé de colombes. Leur style, inspiré du rococo et de l’Art nouveau, privilégie les lignes organiques, les allusions animales et une sensualité parfois inquiétante. Les pièces semblent s’animer lorsqu’elles sont garnies de nourriture, rappelant la dimension vivante de l’Art de la table, souvent perdue dans les musées.

Le collectif critique la séparation sacralisée entre art et usage, renforcée par l’histoire du « grand art » et par les codes muséaux. Ils refusent ces oppositions (beaux-arts / arts appliqués, sacré / profane) et revendiquent un art réintégré au quotidien. En se faisant céramistes amateurs, ils privilégient improvisation et formes libres, produisant des objets plus portés par une vision culturelle que par une technique parfaite. Leur esthétique historiciste évoque sans imiter le rococo et l’Art nouveau, reflétant une époque saturée de références au passé, de récits déformés et de tensions politiques. Leur vaisselle, envahie d’ornements proliférants, exprime moins une continuité avec la tradition qu’une modernité anxieuse, opposée au vide et à la simplicité.

Andreï Erofeev, Commissaire d’exposition

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